Encargos del 21º Diacronías
Festival de Música de Las Rozas

Antonio Serrano

 Antonio Serrano

Antonio Serrano es considerado uno de los mayores intérpretes de armónica de todos los tiempos. Su mayor contribución a la música española ha sido introducir la armónica en el flamenco, consolidando esta innovación al formar parte del grupo de Paco de Lucía entre 2004 y 2014.

Su gran versatilidad musical le ha llevado a realizar proyectos y colaboraciones en otros ámbitos musicales como el jazz, la música clásica, el tango y el pop.

Antonio Serrano comienza sus estudios musicales de la mano de su padre, quien le enseña a tocar la armónica y a leer música. Posteriormente, realiza estudios de piano y violín en los conservatorios de Alicante y Madrid, culminando su formación de armónica con el maestro Larry Adler en Londres.

Su impecable técnica le lleva a actuar en París con 13 años a dúo con Larry Adler en un concierto para Naciones Unidas. Larry se convierte en su mentor y actúan juntos en innumerables ocasiones.

Entre sus trabajos discográficos más destacados se encuentran «En el Central»(1999), «Armonitango»(2007), «Harmonious»(2012), este último, su trabajo más personal y autobiográfico en el que desafía las posibilidades técnicas de la armónica cromática y que le lleva a realizar su primera gira internacional en solitario cosechando grandes éxitos y convirtiéndose en la referencia mundial en su instrumento. En 2018 decide abordar la música clásica de nuevo grabando un disco a dúo con piano, «Clásicos españoles y argentinos»,que recibe una gran acogida en los medios especializados.

En 2017 realiza un homenaje a Toots Thielemanscon el que vuelve a sorprender a la comunidad armonicística y es invitado a los mayores festivales de armónica de Europa, Asia y Estados Unidos. Este trabajo culmina con un disco titulado «Tootsology»,publicado recientemente.

En 2020 trabaja en la adaptación para armónica y orquesta del El sombrero de tres picos de Manuel de Falla, obra que se estrena en noviembre de 2020. En febrero 2021 estrena en el Auditorio Nacional de Música, junto a Daniel Oyarzabal y Pablo Martín Caminero, el aclamado proyecto Bach & «Bach». En julio de 2021 estrena en Madrid «Clazzical», fundamentado en las grandes melodías de la música clásica y las atrevidas armonías y sincopados ritmos del jazz.

Suite Alhambra para armónica y piano

La Suite Alhambra es una obra estructurada como una colección de danzas de origen español y flamenco. La estética de la obra pretende establecer un vínculo entre el nacionalismo musical español del siglo XIX de Albéniz y Granados y las formas más tradicionales del flamenco.

Mario Gosálvez

Discípulo de José Alamá y Ernesto Halffter, estudia en el Conservatorio de Madrid con Valentín Ruiz, Antón García Abril y Román Alís.

En 1987 fue becado por el Conservatorio de San Francisco, donde estudia composición y electroacústica en su Buchla-Synth Lab. También
estudia música de cámara antigua en el Early Music Exploratorium de
Berkeley. En los veranos de 1988 y 1989 asiste becado a composición con George Tsontakis en el Aspen Music Festival y en otoño de 1989 ingresa en la Manhattan School of Music, donde en 1991 se licencia en Composición con el primer premio.

En 1991 trabajó como compositor y productor en Radio Madrid-Cadena SER, creando repertorio radiofónico para sus siete emisoras. En 2022 fue galardonado con el XX Premio Reina Sofía de Composición de la Fundación Ferrer-Salat.

Ha recibido encargos de Siemens y de la Fundación Rafael del Pino y de entidades culturales como el Instituto Cervantes de Nueva York, la Sociedad Lírica
Complutense, así como de festivales como el de Música Española de León
y el de Música Española de Quintanar de la Orden, entre otros. Sus obras han sido estrenadas por grandes directores, solistas y orquestas como la Sinfónica de Madrid, Sinfónica RTVE, American Wind Symphony, Filarmonía de España, Sinfónica de Castilla y León, etc.

Ha compuesto para teatro musical y producido para instalaciones
multimedia en el Museo Nacional Centro de Artes Reina Sofía (2007), Bienal de Venecia (2008) o InGoya (2020-21). Como compositor para cine, destacan sus trabajos en el cortometraje 10 minutos (2004) de Alberto Ruiz Rojo (Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción) y el largometraje Camino (2008) de Javier Fesser, galardonado con seis Premios Goya. Ha grabado bandas sonoras con la Bratislava Symphony Orchestra, London Royal Philharmonic Orchestra, etc.

Desde 2010 imparte composición, contrapunto, orquestación con recursos tecnológicos y producción aplicada a la creación musical en Madrid.

Toccata y Scherzo

Es una obra de música programática basada en el viaje que hizo Pandora para sanar las consecuencias tras haber abierto su famosa caja. Según la Teogonía de Hesíodo, después de que el titán Prometeo robara el fuego del cielo y lo concediera a los mortales, Zeus, el rey de los dioses, decidió contrarrestar esta bendición y encargó a Hefesto (patrón de los artesanos) que modelara una mujer de la tierra, a quien los dioses otorgaron sus dones más selectos. Pandora, en griego, «Todos los dones»,
sería la primera mujer mortal en su mitología.

En Los trabajos y los días de Hesíodo, Pandora tenía una vasija que contenía todo tipo de miseria y maldad. Zeus la envió a Epimeteo, quien olvidó la advertencia de su hermano Prometeo e hizo de Pandora su esposa. Después, esta abrió la vasija y los males volaron sobre la tierra. Solo la Esperanza permaneció en la vasija al ser esta tapada antes de que pudiera escapar. De este mito viene la famosa expresión: «La esperanza es lo último que se pierde».

En una historia posterior, la vasija no contenía males sino bendiciones, que se habrían conservado para la humanidad si no se hubieran perdido al abrirla por curiosidad. La vasija de Pandora se convirtió en una caja en el siglo XVI, cuando el humanista del Renacimiento Erasmo tradujo mal el griego o confundió la vasija con la caja en la historia de Cupido y Psique.

De una u otra forma, en el mito queda claro que este hecho produjo en Pandora una gran tristeza y pena, decidiendo así vagar por el mundo repartiendo esperanza a los mortales. Esta composición musical es una fantasía para piano basada en este viaje de redención que aún se libra día a día en nuestro tiempo.

Andrés Gosálvez

Andrés Gosálvez

Compositor, productor y arreglista madrileño. Tomó sus primeros pasos en la música de forma autodidacta a la temprana edad de 7 años motivado por las bandas de rock clásicas y más populares de entonces, a través de DAWs como GarageBand o Logic. Tres años después comenzó a estudiar percusión mientras tomaba clases de guitarra de forma particular. Durante toda su educación continuó su actividad como escritor de canciones y productor en géneros ajenos a las carreras musicales occidentales. A los 15 años empieza a estudiar piano para más tarde entrar en Composición con el fin de perfeccionar sus conocimientos para combinarlos de la mejor manera con los adquiridos de manera independiente.

Su música está inspirada en géneros variados de Rock, Punk y Metal y utiliza síntesis analógica en fusión con tecnología digital. Adapta su sonoridad, estructura y ritmo lo mejor posible a cualquier armonía e instrumentación en busca de un estilo distintivo. Influido por el mundo del teatro y el cine también toma la estructura escénica, el diálogo, las imágenes y la luz como factores clave en la elaboración de sus obras y creaciones sonoras.

Ha trabajado generando espacios sonoros para números de circo o danza y como productor especializado en Rock, Hip Hop y géneros variados de música electrónica, contando con múltiples lanzamientos desde su sello independiente Manttra.

Pantheo.

Pantheo nace inspirada por las limitaciones de componer con una guitarra eléctrica y sin idea alguna de técnica clásica. Para crear algo interesante, me concentré en otra limitación, la afinación. Los grupos de metal de los 90 establecieron el estándar de bajar más y más las cuerdas de la guitarra, lo cual además de generar acordes que son imposibles de tocar sin esta afinación hace también muy fácil la misión de pisar acordes rápido.

Elegí la sonoridad abierta de la afinación en ‘Drop’, que consiste en bajar un tono la sexta cuerda; convirtiendo sus intervalos internos de 2 cuartas (Mi – La – Re) en una quinta y una cuarta (Re – La – Re). Esta afinación permite un acorde abierto muy estable como pedal, así como la posibilidad de transportarse por todo el mástil con un solo dedo como cejilla, todo esto sin ser tremendamente grave y pudiéndose hacer con una guitarra clásica.

De esta manera la obra se convirtió en un estudio sobre la afinación, donde además la estructura se desarrolla contrastando la armonía abierta del ‘Drop’ con secciones más disonantes y reducidas de registro, inspiradas en el jazz o el repertorio de principios del s. XX.

La obra transita como un viaje en barca dentro de una cueva, donde hay partes cerradas, estrechas y claustrofóbicas hasta llegar a la gran bóveda de piedra, abierta y resonante, como un Panteón.

Antonio Manuel Martínez Heredia

Nace en Córdoba en 1980. Realiza los estudios de música elementales y profesionales en la especialidad de guitarra clásica en Málaga, en el Conservatorio Elemental «Maestro Artola» y el Conservatorio Superior de Música de Málaga. Continúa su formación con los estudios de Grado en Música, especialidad composición, en Madrid, estudiando con David del Puerto en el Centro Superior Katarina Gurska.

Ha sido galardonado con los siguientes premios: premio de honor por unanimidad al finalizar los estudios de guitarra tras la obtención del diploma Elemental, tercer premio del VII Concurso de Guitarra de la Asociación Guitarrística «América Martínez», premio del X Curso Internacional de posgrado en composición con el maestro Leonardo Balada realizado en la Universitat Politècnica de València y el premio «Andrés Segovia-José Miguel Ruiz Morales» en la Enseñanza de Composición y Sinfonismo del Curso Universitario Internacional de Música Española «Música En
Compostela», Edición LXIII.

Está titulado en Ingeniería en Informática y ha participado como integrante en un grupo de investigación de la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Informática de Málaga para la generación automática de composiciones musicales obteniendo resultados que han sido publicados en congresos (a nivel nacional e internacional), así como un artículo en una revista de impacto.

Actualmente cursa los estudios de Doctorado en la Universidad de Córdoba en la línea de investigación «Aprendizaje Automático, Computación Neuronal y Ciencia de Datos».

Sones para un atardecer en Las Rozas

Es una obra de carácter tradicional que toma como inspiración las sensaciones que recibe el compositor al ver un atardecer en el municipio madrileño de Las Rozas. La obra está compuesta para guitarra clásica, consta de tres movimientos diferenciados: Canción, Ecos del recuerdo y Mosaico.

El primer movimiento quiere transmitir el atardecer, tras salir de un concierto en el Auditorio Municipal, con un motivo inicial que se va transformando a lo largo del movimiento sin perder su esencia.

El segundo movimiento es una búsqueda, las reminiscencias que quedan después de la canción de atardecer, la construcción con un lenguaje guitarrístico de efectos oníricos y ecos en su vertiente sonora.

El último movimiento es el cierre de la obra con una construcción en forma de mosaico, en la que se recuerdan los motivos vistos en el primer y segundo movimiento bajo un prisma distorsionado, enlazándose con un coral lento.

Antonio Manuel Martínez Heredia

Maria Camahort

María Camahort

Guitarrista, compositora y arreglista especializada en música de cámara y proyectos interdisciplinarios. Ha actuado en Londres, París, San Petersburgo, Moscú, Barcelona, Madrid, Edimburgo, Bruselas, Varsovia, Cracovia, Ciudad de México, Chicago y Auckland, entre otras.

Ha publicado dos álbumes con el Proyecto Iberian Colours: «una ruta alternativa por la música de España» (Planet Hugill) y «a serious impressive CD» (The ArtsDesk). Su ultimo disco, una compilación de versiones contemporáneas de música de los siglos XVI y XVII, creado junto con el pianista Carles Marigó, ha sido muy elogiado por la prensa musical española (RNE, El Correo, Catalunya Música).

Desde el 2017 compagina su carrera de instrumentista con su creciente actividad como compositora. En el 2020 fue galardonada con el segundo premio en el I Certamen Llobet de Composición para Guitarra y el segundo premio en el III Concurso Internacional de Composición María de Pablos (Fundación Don Juan de Borbón). En febrero de 2021 se estrenó su obra para cuarteto de cuerda Nóos, encargo del FIAS (Madrid) e interpretada por el Cuarteto Bauhaus. Fue seleccionada por la Fundación SGAE para los incentivos de estrenos 2020 y 2021 y ha ganado el primer premio en el IV Concurso María de Pablos. Su último encargo es la transcripción para dúo de guitarras de la obra de Enrique Escudé-Cofiner.

Maria completó sus estudios superiores en interpretación en ESMUC (Barcelona). Graduada con las máximas calificaciones en sus estudios de máster en la Guildhall School of Music and Drama (Londres), fue premiada con la prestigiosa Guildhall Artist Fellowship 2010-12. De vuelta a Barcelona, expandió su formación con clases de composición en el Centre Superior de la Fundació Conservatori Liceu. Sus principales influencias artísticas han sido Emilio Molina, Feliu Gasull, David Dolan y Ramon Humet.

Ponent

Ponent (Poniente) nombra a la brisa cálida y seca que sopla del oeste. También puede referirse al propio punto cardinal oeste, por donde el sol desaparece cada atardecer. Estas dos definiciones, estas dos imágenes, pueden llegar a sugerir de manera sutil el final de la vida. También pueden referirse a cómo nuestros seres queridos continúan de alguna manera vivos a través de su legado y a través de nuestros recuerdos.

La pieza para guitarra sola Ponent fue creada en primavera del 2021 después de escuchar dos testimonios especiales y cercanos para la compositora. Se divide en tres movimientos:Vigor (Vigor), Ponent (Atardecer) y Llegat (Legado).

Laura Vega

Natural de Vecindario (Gran Canaria), nació en 1978 y comenzó sus estudios musicales a los 4 años de edad. Inicialmente estudió lenguaje musical, armonía y contrapunto con Francisco Brito en la Escuela de Música de su pueblo natal y posteriormente estudió en el Conservatorio Superior de Música de Canarias recibiendo clases de composición de Daniel Roca y Xavier Zoghbi. Ha obtenido los títulos profesional de oboe y superiores de piano, lenguaje musical y composición con Premio Fin de Carrera. Amplió su formación con José Luis de Delás en la Universidad de Alcalá de Henares y con José M.ª Sánchez Verdú en la Escuela Soto Mesa de Madrid. En 2016 se doctoró por la Universidad de La Laguna.

Entre su producción orquestal destacan su Concierto para oboe y dos gruposorquestales (encargo de la Fundación Autor, SGAE y AEOS);Imágenes de una isla,para orquesta y silbo gomero (encargo del Cabildo de La Gomera); el concierto para piano y orquesta titulado In Paradisum (encargo del 26 Festival de Música de Canarias); Ángel de luz, doble concierto para percusión, orquesta de cuerda y arpa (encargo de la Fundación SGAE y AEOS); y Galdosianapara orquesta sinfónica (encargo de la Joven Orquesta de Canarias y la Orquesta Nacional de España).

Su catálogo cuenta con más de sesenta obras. Entre 2008 y 2011 fue presidenta de la Asociación de Compositores PROMUSCAN. Entre 2003 y 2021 fue profesora del Departamento de Composición del Conservatorio Superior de Música de Canarias (CSMC). Desde 2011 es miembro de la Real Academia Canaria de Bellas Artes (RACBA).

La eternidad del ser… para clarinete, violín y violonchelo

La eternidad del sernace a partir de una obra anterior de la compositora Laura Vega titulada Poema a un amor eternopara piano, obra compuesta en 2020 e inspirada en un poema del autor canario Santiago Gil. La compositora nos remite a las palabras del Dr. Alfredo Buzzi en un comentario acerca del libro La eternidad del serdel profesor Dr. Elías Hurtado Hoyo, en las que afirma que, pese a las contingencias humanas, pese a todos los conflictos bélicos, pese a todos los desastres que el hombre provoca o se ve envuelto en ellos, la extensión seguirá. Seguirá…, seguirá esa extensión incomparable que es la paz, que es la bondad y que es el amor…, ya que esta extensión es tan grande que no hay fuerza humana que la pueda destruir. Desde esta visión, Laura Vega nos invita a indagar y reflexionar en la eternidad del ser a través de su música.

 Laura Vega

Aday Cartagena

Aday Cartagena

Estudiante de Grado Superior en el Centro Katarina Gurska en las especialidades de composición (con el profesor y Premio Nacional de Música David del Puerto) y de violín (con la profesora Valeria Zorina). Ha recibido clases y masterclasses de profesores como Servando Valero, Marvin Camacho (Premio Nacional [Costa Rica] en Composición «Aquileo Echeverría»), Kuzma Bodrov (Profesor-asistente del Conservatorio Chaikovski de Moscú) y Roberto Sierra (Premio de Música de la Academia Americana de Artes y Letras).

También ha complementado su formación musical con estudios en el mundo de la danza de la mano de la compañía Flick Flock, actuando en salas como el Centre George Pompidou de París, el Teatro José Tamayo dentro del Festival Internacional de Música y Danza de Granada y las Naves del Español de Matadero de Madrid, entre otros.

A la temprana edad de 21 años, su trabajo ha sido interpretado tanto en España como en otros países (Guatemala, México, Costa Rica, etc.), en espacios como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Teatro Filarmónica de Oviedo, Teatro Eugene O’Neill de San José y Teatro Popular Melico Salazar, entre otros.

Ha estrenado su primera obra para orquesta, Sinfonietta del Artisticón, en diciembre de 2021 como encargo del Ensemble-Orquesta de Cuatro Caminos (EOCC), dirigido por Xaime Irisarri.

Además, colabora frecuentemente con el Dúo Atlántico, formado por el trompetista Alexis Morales y el pianista Calio Alonso. Su última colaboración ha sido la composición de tres canciones para trompeta y piano inspiradas en melodías guatemaltecas para su gira internacional de conciertos «Canciones y Estampas. Dos Orillas».

Ha realizado también encargos como arreglista para destacados intérpretes, tales como la cantaora flamenca Marina Heredia. Actualmente se encuentra trabajando en una obra para coro mixto y piano que será estrenada por parte del Coro de la Universidad de Costa Rica.

El Patio de las Palomas Rotas

Es una obra para clarinete, viola y piano, dividida en cuatro movimientos. Esta composición se inspira en diferentes pájaros y busca, a través de la música, transmitir los caracteres y personalidades de cada una de las aves en la que se basa la obra.

El primer movimiento, Urraca. Ladrona de temas,se inspira en la cleptomanía de estas aves, que suelen llevarse al nido objetos pequeños, sobre todo si son brillantes. Este movimiento, con forma sonata ligeramente modificada, trabaja con diferentes materiales temáticos robados.

El tema principal del segundo movimiento, Paloma Rota,tiene un carácter más reflexivo en un tempo de andante. Representa el caminar de una paloma con un ala rota, que se ve obligada a vivir en tierra.

El tercer movimiento, Danza de gorriones,es un perpetuum mobile. Un allegro vivo enérgico que transmite la viveza de los gorriones, con pequeños staccati y rápidos legatos.

El movimiento final, Pájaro Carpintero,comienza con un tema muy rítmico y llamativo. El tema y el acompañamiento saltan de un lado a otro entre el piano, la viola y el clarinete, dando como resultado un carácter de continuo cambio. Los numerosos acentos durante el movimiento simbolizan los golpes que hace el pájaro carpintero en los árboles y en el suelo para buscar comida. Habiendo tocado el tema en fortissimo, el movimiento termina con el material de la introducción y una inesperada escala.